Elektronische Musik

Diese Lektion beschreibt den Begriff “elektronische Musik” und gibt Beispiele für verschiedene Instrumente, Stile und Künstler, die unter diesen Oberbegriff fallen. Wir werden uns auch ansehen, wie Technologie die Musikproduktion im 20. und 21. Jahrhundert beeinflusst hat.

Was ist elektronische Musik und wie funktioniert sie?

Elektronische Musik ist im Amerika des 21. Jahrhunderts allgegenwärtig und kann auf mehrtägigen Festivals wie dem Electric Daisy Carnival, im Top-40-Radio und in verschiedenen Werbespots gesehen werden. Elektronische Musik hat eine lange und komplizierte Geschichte, die von obskurer Avantgarde-Experimentalmusik bis hin zu glitzernden Disco-Ballsälen reicht.

Wie der Name schon sagt, ist elektronische Musik ein Stück, das mit elektronischen Instrumenten erstellt wurde und besser verstanden wird als akustische oder traditionelle Musikkategorien wie Klassik, Jazz oder Volksmusik. Aber im 21. Jahrhundert kann es schwierig sein, zwischen elektronischer und nicht-elektronischer Musik zu unterscheiden, da Stile wie Klassik, Jazz und Folk oft mit digitaler Technologie aufgenommen, mit Mikrofonen verstärkt und über das Internet übertragen werden.

Vor diesem Hintergrund können wir sehen, wie elektronische Musik aus den außergewöhnlichen Revolutionen in Computern, Elektronik und Digitaltechnik im 20. Jahrhundert hervorgegangen ist. Bahnbrechende Architekten, Erfinder und Musiker entwarfen Geräte, die im 20. Jahrhundert zuvor unvorstellbare Musik erzeugen konnten.

Elektronische Musik von Anfang an

Leon Theremin, ein russischer Gitarrist und Erfinder, erfand das Theremin im Jahr 1920. Wenn ein Musiker seine Hände um das Theremin bewegt, erzeugen elektromagnetische Felder Töne unterschiedlicher Tonhöhe. Theremins haben einen lauten, trillernden Klang, der in den 1950er Jahren in Horror- und Science-Fiction-Filmen populär wurde.

Mehrere Erfinder arbeiteten in den 1930er und 1940er Jahren an verschiedenen Modellen dessen, was zu Kunststoffen werden sollte. Diese elektronischen Instrumente wurden entwickelt, um den Klang von Orgeln und anderen traditionellen Instrumenten zu imitieren, aber sie wurden schnell als eigenständige Musikinstrumente anerkannt. In den 1940er Jahren verwendete die als Musique Concréte bekannte Avantgarde-Musikbewegung elektronische Geräte, um spätere Formen elektronischer Musik zu beeinflussen.

Bruce Haack, ein äußerst phantasievoller kanadischer Musiker, der in den 1950er und 1960er Jahren mit seinen verschiedenen Geräten im Fernsehen von Mr. Rogers Neighborhood auftrat, begann, elektronische Musik zu kreieren, die ursprünglich für Kinder gedacht war. Robert Moog begann in den 1960er Jahren mit der Herstellung seiner beliebten Serie von Synthesizern, die die Welt der elektronischen Musik revolutionieren sollten. Heute werden noch Moog-Synthesizer verwendet.

Die Anfänge von Disco- und Musikautomaten

Elektronische Musik erlebte Ende der 1960er Jahre Innovation, technologische Entwicklung und Erfolg. In vielerlei Hinsicht würde diese Ära des Fortschritts mit technologischen Fortschritten in anderen Technologiebereichen wie Personal Computern und Videospielen einhergehen. Nach seinem Umzug nach Deutschland wurde Giorgio Moroder, ein in Italien geborener Musiker, zu einer Schlüsselfigur in der Entwicklung elektronischer Tanzmusik, insbesondere des Italo-Disco-Subgenres. In den späten 1960er und frühen 1970er Jahren war Deutschland eine Hochburg musikalischer Experimente, insbesondere in der elektronischen Musik. Gruppen verwendeten Synthesizer und andere elektronische Instrumente, darunter Kraftwerk, Tangerine Dream, May und Suicide, um Rockmusik in neue Formen zu verwandeln, und ermutigten viele Menschen weltweit, mit elektronischer Musik zu experimentieren.

Laut der Ethnografin und Kulturtheoretikerin Sarah Thornton war der Ort, an dem Fans in den 1970er Jahren elektronische Musik sahen, genauso kritisch wie die Musik selbst. In der Disco, die später als Diskothek abgekürzt wurde, spielte ein DJ neue elektronische Tanzplatten, während die Fans im Takt tanzten. Hier herrschte die Technologie, ohne Einschränkungen oder Kosten, um eine Live-Band zu gründen. Diese tanzzentrierten Umgebungen ebneten den Weg für die Rave- und Clubkultur.

Mitte der 1970er Jahre hatte die Disco-Musik ihren Höhepunkt des Erfolgs erreicht. Elektronische Synthesizer und Drumcomputer verschmolzen zu einem tanzfreundlichen Musikstil, der schnell auf der ganzen Welt populär wurde. Die europäische Version unter der Leitung von Giorgio Moroder war synthesizerlastig und futuristisch klingend. Disco in Amerika war viel mehr von Funk, Soul und anderen afroamerikanischen Stilen beeinflusst. Einigen zufolge ging der Erfolg von Disco in den USA Anfang der 1980er Jahre aufgrund von Sexismus und Vorurteilen zurück.